LO MEJOR DE 2009.

¡Hola, amigos! ¿Cómo están usteeeedeeeeeeees? Yo estoy acabando el año, por ello es un buen momento para la tradicional recapitulación con lo que ha sido este año (en lo que se ha reflejado en este blog, se entiende). Para ello haremos dos entregas (en principio consecutivas): esta, con lo mejor; a la que seguirá otra con lo peor. Por supuesto no se han incluído las entradas reeditadas, porque caen un poco lejos en realidad de este año. Y sin más, pasemos a...

LOS MEJORES ESTRENOS DEL AÑO.

Pasamos a un terreno espinoso, deonde uno hace su quiniela totalmente subjetiva y los que lo leen lo ponen a parir (por lo menos mentalmente) criticando alguna elección y, quizás más aún, alguna ausencia. Bueno, en la vida todo es subjetivo, y si alguien se siente ofendido, desea realizar alguna aportación o impugnación, ahí están los comentarios.

1.) GRAN TORINO.

¿Qué podemos decir a estas alturas de Clint Eastwood, un hombre que ha ido mejorando progresivamente con la edad? Menos premiada que su anterior cinta, la más que estimable "El intecambio" ("Changeling", 2008), "Gran Torino" (ídem, 2008), que se anunciaba como un Eastwood menor, quizás llegue a ser con el tiempo LA película de Clint Eastwood. La película que recoge las temáticas de Eastwood como director y su mítica como actor, tejiendo una reflexión sobre la senectud, los cambios en la sociedad, la familia... Puede verse una, dos, tres o quince veces. A cada momento puntual seguiremos sonriendo, llorando, sorprendiéndonos o sacudiéndonos; y al final asentiremos con la cabeza mientras vemos pasar los títulos de crédito en silencio.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/05/confesiones-de-un-cinefago.html, b) http://edisonscut.blogspot.com/2009/06/mas-gran-torino.html.

2.) MALDITOS BASTARDOS.

Tras la horrible experiencia que suponen las dospelículas que conforman el díptico "Kill Bill" saludada con fanfarrias por la crítica, Tarantino nos presenta la largamente gestada "Malditos Bastardos" ("Inglorious Basterds", 2009). Aunque Tarantino ya dejó hace largo tiempo atrás sus obras más famosas, y debe verse esta película como un mero divertimento para poder disfrutarse, es paradójicamente en este largometraje donde el cineasta alcanza los momentos más maduros y de mayor intensidad dramática de su filmografía. Unido a su bizarro humor, su sentido de la violencia (más suavizado y con cierta (auto?)crítica hacia las películas y público que se recrean en la mística y heroicidad de la misma) y sus acostumbrados guiños cinéfilos (que en esta ocasión no suplantan al argumento), tenemos algunas de las imágenes más bellas e incluso perturbadoras (p.e. la proyección de la cabeza en el cine, el inicio en la granja francesa...) y un magnífico personaje para el recuerdo: el coronel Hans Landa, magníficamente interpretado por Christoph Waltz.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/09/salvara-tarantino-al-imperio-weinstein.html, b) http://edisonscut.blogspot.com/2009/09/malditos-bastardos.html, c) http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/mas-malditos-bastardos.html.

3.) LEJOS DE LA TIERRA QUEMADA.

"Lejos de la tierra quemada" ("The Burning Plain", 2008), nos presenta un drama familiar que se entrelaza a través de dos generaciones con tensiones amorosas como punto de fricción. Con un guión que presenta un material que podría naufragar con suma facilidad en manos de un director con menos ide acerca de cómo debe manejarlo, Guillermo Arriaga en su debut tras las cámaras (en el largometraje) nos presenta una obra fascinante, uno de sus tradicionales rompecabezas pero con un resultado muy superior a los obtenidos por otros guiones suyos. Aquí no se trata de complicar un lienzo para que se vea lo ingenioso que es el artífice (o hacer creer al espectador que es alguien sagaz y sofisticado); la estructura da interés y profundidad dramática a la historia. Por otra parte, la labor y entrega de los actores (en especial el lado femenino encabezado por Charlize Theron, Kim Basinger y Jennifer Lawrence) potencian el conjunto.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/03/lejos-de-la-tierra-quemada.html.

4.) DÉJAME ENTRAR.

El paso de "Déjame entrar" ("Lat den rätte komma in ", Tomas Alfredson, 2008) fue tan fugaz en la taquilla como aplaudido en los festivales. Comno ya comenté en su momento, es posiblmente la mejor reflexión sobre la temática del vampirismo y una de las más bellas (aunque no exactamente convencional) historias de amor; dos buenas razones que justifican el que sea una gran película de visión imprescindible. Y además el modo de contarlo, teñido de cierta melancolía (en total consonancia con el paisaje nórdico en el que se desarrolla la trama, en cual no es ni más ni menos que una proyección del estado anímico de sus dos protagonistas) resaltan aún más la soledad, turbación, dilemas y momentos de crudeza y liberación. Los copos de nieve nos muestran la historia y nos la alejan: es la típica presentación de un cuento de hadas. Y como todo cuento de hadas es cruel, más si cabe de lo habitual pues pasamos del campo de la metáfora a nuestro mundo real, con gente de carne y hueso.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/11/confesiones-de-un-cinefago-parte-viii.html.

5.) MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKIO.

Isabel Coixet es a menudo calificado como "poetisa" por sus defensores y de "insufrible" por sus detractores. No soy un seguidor de su filmografía, pero en "Mapa de los sonidos de Tokio" ("Map of the Sounds of Tokyo", 2009) pude encontrarme con una historia de amor trágica, donde se entrelazan el eros y el tanatos como no podría ser de otra manera, en la que constituye la cinta más sexualmente explícita de su directora. Sin embargo, a pesar del interés que suscita la historia principal, que no está mal desarrollada y resuelta en absoluto, es el losmpersonajes secundarios donde la cinta alcanza su mayor profundidad. El hombre que graba los sonidos y las conversaciones, testigo ocioso y amante imposible trocado en voyeur auditivo, el padre destrozado por la pérdida de su hija y su abnegado y ferviente mano derecha, así como las escenas en el restaurante al inico de los créditos, en el piso de la hija o en el cementerio conforman ese "universo soterrado", ese ruido de fondo, que conforma las dimensiones para las coordenadas de la película.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/confesiones-de-un-cinefago-parte-v.html, b) http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/trueba-nuevamente-por-el-oscar.html.

6.) UP.

La última producción de Pixar, "Up" (ídem, Pete Docter y Bob Peterson, 2009), contiene diversos puntos fuertes, cimentados en una gran labor de dirección y de la narrativa, un jocoso sentido del humor y un inteligente uso del 3D. Pero es sobre todo por su secuencia inicial, que avanza a lo largo de la vida de Carl Fredricksen cuando la película alcanza su cima, la mayor carga de emotividad y de grandeza narrativa. Si no tienes un nudo en la garganta cuando la ves, es que no eres humano.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/08/confesiones-postvacacionales.html.

7.) MILLENNIUM I: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES.

Posiblemente la elección más polémica. La adaptación del primer bestseller del difunto Stieg Larson, "Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres" ("Män som hatar kvinnor", 2009) no es una película que gane un oscar (aunque esto tampoco quiere decir nada malo). Pero estamos hablando de una película de intriga en la que el director, Niels Arden Oplev sabe jugar bien sus bazas, atrapando al espectador en una red de misterio y truculencia de un sabor netamente europeo. La trama, que podría naufragar en menos de nada por la peculiar mezcla de elementos que maneja, te mantiene en la silla de principio a fin son mirar el reloj. Los intérpretes ofrecen un trabajo sólido, especialmente Michael Nyqvist y sobre todo una sobresaliente y esforzada Noomi Rapace, que tiene el honor de incorporar un personaje con un magnetismo capaz de hechizar a gente de diversos puntos del planeta; nada más y nada menos, como apuntaba Tomás Fernández Valentí en la revista "Dirigido por" con motivo de la segunda entrega cinematográfica, un prototipo de la mujer del siglo XXI esculpida por una mente masculina.

Más sobre este film en: a) http://edisonscut.blogspot.com/2009/07/confesiones-prevacacionales.html.

LAS MEJORES REIVINDICACIONES.

Vamos con una ronda de películas que deberíais visionar o revisionar, por orden cronológico:

a) DRÁCULA Y LAS MELLIZAS ("Twins of Evil", John Hough, 1971).

Muy estimable película de la Hammer en su época de sensacionalización del espectáculo con un grandioso Peter Cushing (http://edisonscut.blogspot.com/2009/04/dracula-y-las-mellizas.html).

b) EL CIRCO DE LOS VAMPIROS ("Vampire Circus", Robert Young, 1972).

Una original propuesta con un nuevo planteamiento a las películas de vampiros de la Hammer. Erotismo, perversidad, y algunas ideas afortunadas y de gran belleza (http://edisonscut.blogspot.com/2009/07/el-circo-de-los-vampiros.html).

c) LA BALADA DE NARAYAMA ("Narayama Bushi-Ko", Shoei Imamura, 1983).

Una fascinante aproximación al mundo de una comunidad rural situada en un medio inhóspito en el que la supervivencia es el propósito del día a día (http://edisonscut.blogspot.com/2009/11/confesiones-de-un-cinefago-parte-viii.html).

d) DESPERTARES ("Awakenings", Penny Marshall, 1990).

La historia entre un investigador que da un giro a su carrera, su grupo de pacientes y de como la enfermedad afecta a una vida (http://edisonscut.blogspot.com/2009/05/confesiones-de-un-cinefago.html).

e) EN CARNE VIVA ("In the Cut", Jane Campion, 2003).

Sólido sexy-thriller de la australiana Campion con una Meg Ryan que decide probar algo nuevo (actuar) con atrevidos y rotundos resultados (http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/confesiones-de-un-cinefago-parte-vii.html).

f) X-MEN 2 ("X2", Bryan Singer, 2003).

Una de las obras cumbre del cine de superhéroes, equilibrio entre cine de acción y política ficción bajo el tamiz del cine comercial (http://edisonscut.blogspot.com/2009/07/x-men-parte-3-mutantes-unidos.html).

g) DESCUBRIENDO NUNCA JAMÁS ("Finding Neverland", Marc Forster, 2004).

Película que supone una emotiva oda a la fantasía (y su choque con la realidad adulta) usando a James Barry como pretexto (http://edisonscut.blogspot.com/2009/05/confesiones-de-un-cinefago.html).

h) ORGULLO Y PREJUICIO ("Pride and Prejudice", Joe Wright, 2005).

El punto álgido en las carreras de Joe Wright y Keira Knightley, en una de las más sensibles y dinámicas adaptaciones del universo de Jane Austen (http://edisonscut.blogspot.com/2009/08/confesiones-postvacacionales.html).

i) X-MEN. LA DECISIÓN FINAL ("X-Men: The Last Stand", Brett Ratner, 2006).
El denostado relevo de Bryan Singer en la franquicia mutante, la cinta de Ratner gana con el tiempo como una buena cinta de acción con cierto sentido de la épica y la tragedia e imágenes imapactantes realzadas por una buena partitura de John Powell (http://edisonscut.blogspot.com/2009/07/x-men-parte-4-la-decision-final.html).

j) [REC] (ídem, Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007).

Una de las películas de terror más interesantes y mejor logradas gracias a su premisa original (http://edisonscut.blogspot.com/2009/07/confesiones-prevacacionales.html).

LOS MEJORES CORTOMETRAJES

a) LA DOBLE VIDA XD (ídem, anónimo, 2006).

Una hilarante historia en formato messenger (http://edisonscut.blogspot.com/2009/09/la-doble-vida-xd.html).

b) PULPO ENAMORADO ("Oktapody", Julien Bocabeille & cía, 2008).

Una historia de amor diferente en Grecia, corto de animación (injustamente) derrotado por Kunio Kato en los Oscar (http://edisonscut.blogspot.com/2009/08/pulpo-enamorado.html).

c) EL ATAQUE DE LOS ROBOTS DE NEBULOSA-5 (ídem, Chema García Ibarra, 2008).

Corto sencillo e interesante sobre un personaje y su papel en el mundo (http://edisonscut.blogspot.com/2009/08/el-ataque-de-los-robots-de-nebulosa-5.html).

Y DE POSTRE...

El mejor videoclip, para la cantante Lady Gaga: Paparazzi (ídem, Jonas Âkerlund, 2009), todo un punto de inflexión en la carrera de la cantante (sospecho que a partir de aquí la cosa irá cuesta abajo).

"¿Oh? ¿Y de mí no habláis?"

Pronto Hugh, pronto.

Y esto es todo. See you!

CONFESIONES DE UN CINÉFAGO. PARTE VIII.

Con bastante retraso al fin se publica este post. Es lo que tiene esto, al fin y al cabo esto no me da de comer... y las "Confesiones..." no se hacen solas. Sin más, empecemos:

DÉJAME ENTRAR ("Lat den rattekomma in", Tomas Alfredson, 2008).

Copos de nieve caen melancólicamente en la noche, en una cortina que se va apartando para que veamos lo que sucede a su través. La imagen inversa se presentará al final de la película. Entre ellas, una historia subyugante y melancólica que se convierte en una de las más serias reflexiones sobre los vampiros y en el mejor filme de esa temática en años. La historia de Oscar, el niño de doce años de padres divorciados (nunca se nos dirá por qué, no hace falta, en sus breves apariciones conocemos cuál ha sido la dinámica familiar antes de los hechos presentes) aterrorizado por unos matones en su colegio y Eli, la misteriosa vecina con la que se encuentra en un parque, es narrada por Tomas Alfredson con una cadencia marcada por la reflexión y la lírica, deslizándose de forma cálida por el espectador. No sólo nos muestra la tragedia del vampirismo de una forma "objetiva", desposeyéndola de su mítica o sus clichés más característicos; sino que además es una de las más bellas historias de amor que he visto, con toda la incertidumbre, ilusiones, desengaños y violencia que comporta.

Uno no puede sentir más que lástima hacia aquél que no la haya podido contemplar y conmoverse con ella.

LA BALADA DE NARAYAMA ("Narayama Bushi-Ko", Shoei Imamura, 1983).

En el pueblo es una ley antigua que la gente debe cumplir: al alcanzar los setenta años, los ancianos deben partir hacia la cima del Narayama, donde esperarán la llegada de la muerte. Orin tiene sesenta y nueve años, es la cabeza real de la familia, y desea ardientemente que llegue ese momento. Pero antes debe encontrar una mujer para su hijo viudo que lleve las riendas del hogar. Su hijo no espera con impaciencia el día del viaje, puesto que él, como primogénito, debe llevar allí a su madre y abandonarla para que muera.

Soberbia y premiada película de Shoei Inamura donde se nos narra la vida en una comunidad cerrada ubicada en una región inhóspita. Un viaje al "Japón profundo" donde cada día se mide por el trabajo y las comidas y el único futuro es la supervivencia. En la historia aparecerán divesos temas no aptos para corazones sensibles: asesinato, zoofilia, infanticidio, parricidio, linchamiento y gerontocidio, siendo este socialmente aceptado, ritualizado e integrado el el código social. En todo momento aparece la naturaleza: vegetación exuberante, nieve, fértil barro, diveroso animales... pero no ahy confrontación con ella, ni truculencia en lo que narra. Allí en la falda del Narayama en hombre es una especie más, y el espectador se limita a seguir los avatares de esta manada en la que los sentimientos debem ceder ante el bien común. No en todo lugar está presente la naturaleza, a medida que se asciende al Narayama el paisaje es cada vez más árido, desnudo y escarpado, hasta llegar al lugar sagrado: un osario donde sólo los cuervos esperan pacientemente la legada de su amo y señor: la muerte. Allí es donde Orin permanece rezando, cumplido su máxima creencia religiosa. No es de extrañar que cuando su hijo de gire parezca una aparición más que un ser vivo. Aunque todavía viva, ya no pertenece a este mundo, sino al del paisaje áspero y los cuervos.

AMANECE QUE NO ES POCO ("Amanece que no es poco", José Luis Cuerda, 1988).

Es complicado hacer una reseña corta sobre esta película, una comedia coral rodada en los parajes de la Sierra del Segura, con la idiosincrasia particular de los habitantes y paisajes manchegos, que podría haber salido perfectamente de laq cabeza de Valle-Inclán. Convertida en auténtica obra de culto, las tribulaciones de Antonio Resines por los actos de Luis Ciges, a su vez embarcado en la empresa de un viaje a Francia que lo lleva a recalar en el pueblo gobernado por Rafael Alonso, donde las mujeres cultivan a sus novios en las huertas, un suicida no puede cumplir su propósito vital o se elige en elecciones a todos los cargos de la localidad harán que el espectador no se levante la silla, hasta ese magnífico final con el jefe de la guardia civil. Frases e interpretaciones chocantes y brillantes. Altamente recomendable.

SÉ INFIEL Y NO MIRES CON QUIÉN ("Sé infiel y no mires con quién", Fernando Trueba, 1985).

Dos editores de libros en apuros, un contrato que salvaría la papeleta, una esposa infiel, otra honesta pero de la que su marido sospecha, una secretaria abandonada y un amigo pagafantas que quiere cambiar de status. Esos son los ingredientes de esta comedia de Trueba, que respira cierta elegancia con un ojo puesto en los vodeviles de Lubitsch y que constituye de lo más aceptable dentro de la carrera de su director, que posteriormente discurriría por otros vericuetos. Aunque los momentos cómicos son para Resines (destacando la persecución de la carta), la que destaca en el plano interpretativo es Ana Belén.

THE BOX ("The Box", Richard Kelly, 2009).

James "Cíclope" Marsden y Cameron "mechoncitos" Diaz son un simpático matrimonio (bueno, no tanto): los Lewis. El señor Lewis trabaja en la NASA y aspira a conseguir entrar en una misión espacial. La señora Lewis es profesora en un colegio exclusivo con un secreto que la ha hecho sufrir. Pero su vida superguay comienza a torcerse, y con los apuros económicos viene una inesperada solución. El misterioso Arlington Steward (hipnótico Frank Langella) llama a su puerta y les hace una oferta: una caja que consta de un botón. Si accionan el mismo, una persona que no conocen morirá, y a cambio recibirán una sustanciosa cantidad de dinero y no volverán a verlo. La decisión tomada y sus indagaciones en las implicaciones de la misma colocarán al matrimonio en una cada vez más difícil situación.

Tras ver la simpática "Donnie Darko" (ídem, Richard Kelly, 2001), no podía evitar ir al cine a ver su nuevo artefacto de cine fantástico. Y eso es lo que uno ve, un artefacto. Los hechos se suceden, parece haber conexiones, se bosqueja una pauta, hay alguna de esas paradojas y rupturas de las leyes físicas a los que se conoce que el director es aficionado, tenemos un personaje misterioso y carismático aquí encarnado por Langella... y cuando uno sale del cine tiene la sensación de que se ha pasado un rato con un relato en el que no le han contado nada.

LA ISLA MISTERIOSA ("La isla misteriosa", Juan Antonio Bardem y Henri Colpi, 1973).

Cinco individuos viajan en un globo en medio de una terrible tormenta sobre el océano, perdiendo altura. Ése es el punto de partida de esta coproducción entre España, Francia, Italia y... Camerún que adapta de forma razonablemente fiel la novela de Julio Verne. Y así, mientras vivimos la angustia de esa situación, se intercalan los flashbacks de cómo llegaron los distintos personajes a esa sitación, puesto que son camaradas casuales unidos en esa prueba por la supervivencia. Tras una ajustada llegada a tierra firme, comenzará la sucesión de unos extraños sucesos... Y ahí acaba lo interesante del argumento, el buen pulso de la acción y lo simpático de diálogos, interpretaciones y efectos (que nunca llegan a alcanzar la brillantez). Progresivamente se sumarán una serie de elementos acumulativos que comienzan a dispersar la historia y a resolverla de forma atropellada y en ocasiones poco brillante e insulsa, como es la tripulación de Nemo o el origen de éste, el destino de la isla o el fin del pirata. Porque si comienzan a mezclarse el rescate de un náufrago con su propia historia, un mono simpático y un malvado barco de piratas la cosa no puede menos que hacernos enarcar una ceja. Eso como mínimo.

Para el recuerdo quedarán pinceladas como cuando Bonaventure Pencroft (Jess Hahn) se dispone a matar a un soldado, y ante la súplica de su pequeño protegido de que no lo haga, responde sin mirarle que no hay remedio, el revuelo que se forma en el campamento sudista cuando descubren un perro (el primero que ven en días) y el tumulto para atraparlo para comérselo, la primera aparición de los hombres de Nemo (Omar Shariff), con esos fabulosos trajes como tritones entre la oscuridad de las aguas o la mirada magnética de Nemo cuando observa a sus inesperados huéspedes (interpretación que tira por la borda en la segunda mitad con su pose de, digamos, "sufrimiento trágico"). Mi recomendación es que si quereis pasar un buen rato, la veais hasta que encuentran el mensaje en la botella. Así tendréis un buen recuerdo y tiempo para tomar un café a la salud del capitán.

SCOOBY-DOO Y EL MONSTRUO DE MÉJICO ("Scooby-Doo! and the Monster of Mexico",Scott Jeralds, 2003).

Todo aquel que haya crecido en los ochenta y haya sobrevivido (http://www.youtube.com/watch?v=sTZMHhHMgAc) recordará los dibujos de Hanna-Barbera acerca del perro Scooby-Doo y sus amigos Shaggy, Fred, Daphne y Velma, que resolvían misterios allá donde su furgoneta "La máquina del misterio" les llevaba ("Scooby-Doo, Where Are You!", 1969-1970). Tras diversas encarnaciones en las que no siempre se mantuvo la alineación original, tal vez por la influencia de la versión cinematográfica estrenada en 2002, se produjo un regreso a los orígenes de la fórmula con "What´s New, Scooby-Doo?" (2002-2006). Y es en este contexto donde se encuadra esta película de estreno directo en DVD.

Fred es invitado por un amigo a Méjico, y como no podía ser de otra forma se lleva a toda la pandilla allá, sólo para encontrarse a una población enfrascada en la celebración de Difuntos y bajo la amenaza del Chupacabras (que, como dicen "El Chupacabras es el Bigfoot mejicano"). Scooby y sus amigos resolverán el misterio como los jóvenes entrometidos que son, a pesar de los intentos por eliminarles. En ese sentido es antológica (el mejor chascarrillo del film) cuando una vez que el chamán del pueblo les informa de la situación, les suelta "¿les he dicho ya que se encuentran en un terrible peligro?" "No" "Ah, bien. ¡Corren un grave peligro!". Pues eso.

LA HISTORIA INTERMINABLE ("Die unendliche Geschichte", Wolfgang Petersen, 1984).

El inefable Wolfgang Petersen firma este truño que recordaba mejor de mi infancia. Es lo bueno de las malas experiencias infantiles, que la mente se cicatriza y se olvida el trago. Bastian (Barret Oliver) es un niño puteado y casi huérfano que vive una fantástica aventura a través de un libro especial siguiendo la misión del joven Atreyu (Noah Hathaway) de salvar el mundo de Fantasía de la Nada. Es curioso ver cómo esta oda a la imaginación se convierte en un bodrio ñoño mal narrado y peor resuelto que sólo hará las delicias de los niños que disfruten con los teletubbies. Que la deidad de cada cual le guarde de las secuelas...

EL REY PASMADO ("El rey pasmado", Imanol Uribe, 1991).

Como recordatorio de la mala imagen del cine español, "El rey pasmado" no tiene precio. Ni su coartada literaria la salva. La historia se abre con el hallazgo de un cutre efecto alucinatorio ¿erótico/alcohólico? que desencadena la suspicacia de la Inquisición. El rey Gabino Diego (que se pasa toda la película con cara de imbécil en lo que constituye una de sus máximas proezas dramáticas digna de las grandes glorias del Actor´s Studio se ha ido de putas con su amiguete Eusebio Poncela. Y aunque no ha causado una impresión en Laura del Sol semejante a la de Poncela en María Barranco, la trabajadora del sector servicios sí ha impresionado al monarca, que se encapricha con la idea de ver a su mujer desnuda. Cosa que al ambicioso y fanático Juan Diego le parece herético. Se inicia así dos bandos conspiradores: los que desean impedir el deseo real, y los que desean favorecerlo. Horrible película tontamente desarrollada, con algún momento sonrojante y con una canción cansina. De los actores no se salva ni uno. Mención especial para Juan Diego que no vocaliza ni a tiros y a un particularmente patético Javier Gurruchaga, que cuando se encuentre con el conde duque en el Infierno le dará lo que se merece.

5 RAZONES POR LAS QUE LLORAR A JOSE LUIS LÓPEZ VÁZQUEZ.

1. El familiar poco recomendable en "El verdugo".

2. El trabajador con un gran plan en "Atraco a las tres" que supera en ocasiones a Peter Sellers.

3. El padrino que todo adulto querría haber tenido de niño en "La gran familia".

4. El hombre corriente aterrorizado en "La cabina".

5. "El Escabeche" de "Los ladrones van a la oficina.

José Luis López Vázquez de la Torre falleció el 2 de noviembre de 2009.

LADY GAGA-PAPARAZZI.

¡A los buenos días!

Siguiendo la estela de la vagancia videoclipera, os ofrezco el videoclip "Paparazzi", de Lady Gaga, uno de los nuevos monstruos de la fama del mundillo de la música que ya ha sido saludada como la sucesora de Madonna, y que además combina rasgos de Gwen Stephani o Michael Jackson, con la megalomanía de todos ellos.

Así pues videoclip de larga duración con minihistoria y actuaciones incluídas, donde los enormes rótulos no dejarán duda (por si la hubiera) sobre quién es la protagonista. Dirigido por el director Jonas Âkerlund y acompañada por el actor Alexander Skarsgard, se narra la historia de una celebridad ficticia -llamada Lady Gaga, mira tú por donde- que es traicionada por su novio (pacta un robado con unos fotógrafos). La cosa se complica y tras sufrir un accidente, su carrera sufre lo que parece ser el final. Ácida crítica al vacuo mundo de las celebridades especialmente cruel con los medios, repleta de múltiples referencias a la trayectoria de la artista, podeis verlo aquí:

http://www.youtube.com/watch?v=yMvrNO9fUM0&NR=1

¡Saludos!

P.D. Por cierto, ¿es cosa mía, o Lady Gaga suelta en dos ocasiones un "¡suelta!" en el balcón?

KNIGHTS OF CYDONIA.

Como último ando muy liado (y un poco vago, todo hay que decirlo), aquí os dejo una antigua entrada. Resulta curioso transitar por el túnel del tiempo...


Publicado originalmente el 30 agosto de 2007

KNIGHTS OF CYDONIA.

Me da igual cómo me mires, esta semana no me toca ducharme.

La banda británica Muse es conocida por temas como "Time Is Running Out" o "Starlight", mi favorito. Sin embargo mi casi favorito "Knights Of Cydonia" es el mejor videoclip del grupo. En él imágenes y música se fusionan en una narración épica al estilo del "spaghetti western" y los observadores podrán ver los distintos homenajes a la cultura pop que rinde, desde "Centauros del desierto" a "El planeta de los simios". El argumento es simple. El vaquero errante Sin Nombre (Russ Bain), que conoce a la princesa Shane Kuriyami (Cassandra Bell) en el bar del pueblo de Cydonia, debiendo enfrentarse al rollete de ella y amo y señor del pueblo, el malvado sheriff Baron Klaus Rottingham (Richard Brake). Un vídeo altamente recomendable dirigido por Joseph Kahn que podeis ver en versión para televisión y con menor calidad en la versión sin censura.

Sin más, me despido con un beso. Pelead entre vosotros por el privilegio de disfrutar el contacto de mis labios, freaks!

21:37 Agregar al blog Música

"Hideputa", masculló Alatriste.

Comentarios (3)


Edison(Desconectado)escribió:
En primer lugar agradecer vuestros excelentes sin más comentarios de la entrada anterior, que no comento allí para no desmerecer el conjunto. A mí también me encantó el momento que llega el sheriff en su coche con cuernos y a sus espaldas los del pueblo se arrodillan en una reverencia tan sumisa como temerosa, Joaqui. Arderás en ese infierno, Virus. No te atrevas a dudarlo. Wahahahaha!!!!
7 Sep Eliminar


Viriato(Desconectado)escribió:
¡Joder, Edi! ¡Es un videoclip cojonudo! ¡Me encanta! Creo que poco a poco estoy empezando a saber apreciar lo kitsch en su grandeza... ¡Y me encanta! Era cuestión de tiempo que yo cruzase la fina línea que separa la cultura pop antigua válida actualmente de la que ya se considera ligera o claramente hortera, pero al final parece que lo voy haciendo. Por suerte, aún espero que existan límites en mi descenso al Infierno pop. Por otro lado, me ha gustado tantísimo el vídeo que estoy tentado de meter muchos elementos (no los más futuristas, desde luego) en la obra ATOPD de este año (de temática western), pero me temo que no va a poder ser. Una lástima. ¡Nos vemous, Edi!
31 Ago


Joaco de Esmirna escribió:
El vídeo está genial. Todo él es buenísimo. Desde la esntrada del sheriff , con todo el pueblo arrodillándose y haciendo un reverencia, hasta los planos de las batallas. Buen detalle las pistolas láser, el unicornio con la dominatrix y las posturas orientales del principio. Genial.

Son unos mojigatos. Malditos censores. Yo ví la versión censurada, of course.
31 Ago

EN TORNO A SAW VI.

¡Hola, adoradores de Jack Skellington!

Como estamos con nuestra recien adoptada fiesta de Halloween sacaré un tema que bien podría relacionarse. ¿La relación entre Katy Perry y Lady Gaga? No. ¿Michael Jackson? Tampoco. Como todos los avispados que hayan leido el título sabrán, hablamos de "Saw VI".

Saw es la franquicia creada por James Wan. Los orientales son gente cruel, como dijo un antiguo profesor mío, de ahí que los juegos de muerte de Jigsaw hagan gala de un sadismo y violencia explícita que lo sitúan en el género conocido como "torture porn" (porque usa la violencia para excitar al espectador, en analogía con la pornografía, según denominación del New York Times). Estas bazas han convertido la serie en un negocio rentable. Su última entrega, anunciada a bombo y platillo, aún no ha sido estrenada en nuestro país. El motivo: la calificación otorgada por el Ministerio de Cultura, que la ha catalogado con una X por "apología de la violencia". Parece ser que las ocho salas X que sobreviven en nuestro país arrinconadas por el auge de la pornografía servida por Internet no están dotadas de los proyectores adecuados, por lo que la película podría ver relegado su estreno en nuestro país directamente al DVD.

SAW XXX

No he visto un film de Saw, más que algún trozo en algún zapping ocasional de alguna noche de insomnio, así a bote pronto recuerdo una autopsia a un cuerpo, un par de juegos de tortura con sus protagonistas incrédulos y/o berreando y poco más. He leido las reseñas sobre las sucesivas entregas y, en suma, no es algo que me interese. Me llegó con Hostel (ídem, Eli Roth, 2005), film aburrido, previsible, idiotizante por sus personajes y con una explicitud de la violencia que no me aportaba ninguna satisfacción. Posiblemente la saga Saw sea más entretenida (de entrada parece de bastante mejor factura) pero el parentesco de género no eleva mi interés en grado suficiente como para verla.

Ahora bien, hay gente que le gustaría verla, igual que vería sus otras cinco entregas; o sus nuevos seguidores que quieran ver algo de "terror extremo" en el cine. ¿Es un deseo legítimo?

APOLOGÍA DE LA VIOLENCIA.

¿Es justa la X de "Saw VI"? En mi opinión, no. "Saw VI" es la primera película de teror en España calificada como X, que yo sepa. Ninguna de sus predecesoras ha recibido tal distinción. La decisión no es baladí, porque la X impide su distribución en las salas de cine. Lo lógico sería otorgarle un "NR 18". La argumentación que dan es que en las taquillas no se solicita el DNI a la hora de la venta, con lo que no hay forma de proteger a los jóvenes de su lesivo visionado. Esa es una argumentación falaz, porque supone hacer una salvedad a la ley (otorgar una clasificación inadecuada a sabiendas para obtener un efecto determinado). Sería como si no se pudiera vender cerveza en los bares porque no pidieran el DNI. Obligue a los cines a cumplir una normativa y deje a los espectadores elegir qué ver libremente, sin censuras previas.

La ministra Sinde.

Censuras previas inútiles, todo hay que decirlo, puesto que la posibilidad de descarga de Internet, de visionado online o de adquisición en el top-manta asegura que nuestros jóvenes se vean libres de protecciones obligatorias. Con lo que los grandes perjudicados en última instancia son la distribuidora Buenavista, propiedad de Disney, y los cines.

Hay quien dice que nuestro país es demasiado permisivo en las calificaciones. Veamos qué ocurre en el resto de países civilizados y con sociedades ilustradas. ¿Cuántos han calificado a "Saw VI" con una X? Veamos: Suecia, no, Bélgica, no, Finlandia, no, Dinamarca, no, Noruega, no, Francia, no, Reino Unido, no, EEUU, no...

Respecto a la influencia de la película en la violencia social... Sólo diré (invitación sutil para polemizar) que mis amigos que vieron la saga de Saw no matan ni torturan a nadie y son bastante normales, al igual que los que juegan al rol, y que todos vimos "Superman" (ídem, Richard Donner, 1978) y ninguno se tiró por la ventana creyendo que podía volar. Y siendo coherentes, ¿por qué no censuramos "La naranja mecánica" ("Clockwork Orange", Stanley Kubrick, 1972) que muestra tanto a una banda callejera como al estado en actividades como torturas o violaciones, la española "After", en la que los personajes consumen drogas sin ninguna crítica a esa conducta (¿apología de la drogadicción, pues?), o vendemos de forma restringida el "Justine" de Sade, por ejemplo? Porque si el Estado se encarga de decirnos que debemos ver, todos viviremos mucho más despreocupados. Es lo bueno de la ausencia de libertad, que tienes menos elecciones.

CONFESIONES DE UN CINÉFAGO. PARTE VII.

"Qué rima con siete... No sé, chica, si aún fuera con cinco..."


¡Hola, camaradas binarios! Hoy tenemos la séptima entrega de mis confesiones, que una vez más viene cargadita. Comentar que este mes además de los estrenos cinematográficos de la cartelera de rigor, me he nutrido de la televisión y el fantástico programa del nuevo Cine Capitol. Comenzamos:



EN CARNE VIVA ("In the Cut", Jane Campion, 2003).





Frannie (Meg Ryan) es una profesora de literatura en Nueva York. Su afición es recolectar expresiones coloristas de la gente de la calle. Es una mujer solitaria, con alguna relación desastrosa pasada (como un ex-novio actor reconvertido en estudiante de medicina) con una hermana metida en el mundo de las strippers (Jennifer Jason Leigh). Un día, una experiencia inesperada en un bar la hará sacudirse por dentro y rememorar sensaciones y anhelos de los que ya no era consciente. La aparición del detective de homicidios Giovanni Malloy (Mark Ruffalo) abrirá la caja de los truenos.


Excelente thriller de Jane Campion, que por mérito propio es el destacado de nuestras "Confesiones" de hoy. Campion nos presenta una historia que nada en la sordidez, en una atmósfera desenfocada, onírica, asfixiante. Manipula a placer los resortes del género sin dejar de contar una historia sobre personas. Mención especial para las secuencias de los padres de Frannie, de cuento de hadas, y su modificación posterior. Sorprende especialmente una Meg Ryan que actúa (¿por primera vez?) en serio en su vida, logrando la que sin duda es su composición más madura, compleja, arriesgada y, en definitiva, la mejor. Altamente recomendable.



ÁGORA ("Ágora", Alejandro Amenábar, 2009).


Podéis ver el algo más largo de lo habitual comentario sobre este filme aquí:

http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/agora.html



GORDOS ("Gordos", Daniel Sánchez Arévalo, 2009).


Todo quedó dicho aquí:

http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/gordos.html



AFTER ("After", Alberto Rodríguez, 2009).





Tres amigos quedan después de un año sin verse. Hace tiempo que han dejado de tener la edad cronológica de los adolescentes, pero eso no quiere decir que lo hayan aceptado. Se han hecho adultos, pero ése es un mundo al que no sienten una pertenencia real. La película narra tres historias: la de Manuel (Tristán Ulloa) casado, con un hijo y con una gran ira reprimida; la de Julio (Guillermo Toledo), persona que se gana la vida viajando de un lado a otro recortando plantillas de empresas y dando satifacción a su adicción al sexo y Ana (Blanca Romero), objeto de deseo, joven y deseosa de que la quieran.


Alberto Rodríguez dirige y coguioniza este relato en tres partes en el que veremos a los personajes antes de esa noche, el transcurso de ésta y cómo la acaban, donde lo más interesante estriba en ver como un mismo hecho cambia en función de quién lo observe, interpretada con solvencia y corrección por todo su elenco. Para el recuerdo, una frase: "¿Me dejas un euro para el bus?".



FUERA DEL CUERPO ("Fuera del cuerpo", Vicente Peñarrocha, 2004).





Bruno (Gustavo Salmerón) es un guardia civil que atraviesa una fase problemática en su existencia. Sus chanchullos y adicciones comienzan a repercutir en su trabajo y en su vida familiar de forma significativa. La situación difícilmente tiene una solución en este mundo... aunque quizás podría tenerlo en otro. De manera fortuita Bruno descubre una entrada a otro lugar, donde él es un actor que interpreta su vida... un descubrimiento que quizás podría emplear en su beneficio.

Ópera prima (en el largometraje) de Vicente Peñarrocha, en un debut que la crítica recibió con un entusiasmo del que careció su siguiente trabajo tras las cámaras; se realiza un poco disimulado homenaje a "Carretera perdida" ("Lost Highway", David Lynch, 1997) tanto formal (esos créditos de la línea de carretera por la que se avanza en la noche) como temáticos (el tema de las dobles identidades, los cambios entre ellas y el retorcimiento de las leyes de la física). Sin embargo no hay desazón ni locura en la película, puesto que a pesar de un interesante punto de partida se aposta por el humor y la amabilidad. Esto hace que la película no llegue a ser una obra maestra ni mucho menos, pero sí que se vea con cierto agrado y simpatía, más que por la labor de su actor principal, algo limitado en las (finitas) fronteras implícitas de su personaje, por un muy acertado José Coronado que entiende a la perfección los resortes de su personaje y, muy especialmente, por una magnífica Goya Toledo, que da un recital interpretativo con variedad de registros como no he visto en ningún otro de sus trabajos, haciendo que la película gane enteros en cada nueva aparición.

LA ÚLTIMA NOCHE DE BORIS GRUSHENKO ("Love and Death", Woody Allen, 1975).

Boris Grushenko (Woody Allen) rememora su vida. No tiene motivos para alegrarse. Está enamorado de su prima (Diane Keaton), la cual prefiere a su hermano Iván, quien a su vez prefiere a otra, por lo que aquella, despechada, se prometerá a un comerciante de pescado. Si en ese momento Napoleón Bonaparte decide invadir Rusia y Boris es reclutado a la fuerza, la cosa sólo puede empeorar.


Woody Allen realiza esta comedia en la que satiriza a gusto "Guerra y paz". No contento con ello, realiza numerosos homenajes a otros cineastas, como su apreciado Ingmar Bergman, con planos calcados de "El séptimo sello" (http://edisonscut.blogspot.com/2009/03/det-sjunde-inseglet.html) o "Persona" ("Persona", Ingmar Bergman, 1966), el Charles Chaplin guerrero de "El gran dictador" ("The Great Dictator", Charles Chaplin, 1940) o a la tradición del slapstick. Todo ello desde el estilo del Allen cultivador del nonsense pseudointelectual como en su libro "Sin plumas". El resultado, una de las películas más agradables de Woody, con un primer tercio magnífico y un tercer tercio al que llega con cierto agotamiento al no dar la cosa más de sí. Con todo es agradecido, pues en esta época Allen sólo pretendía demostrar que era gracioso e ingenioso.



LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO ("A Midsummer Night´s Sex Comedy", Woody Allen, 1982).





Tres parejas pasan juntas un fin de semana: un inventor (Woody Allen) y su mujer (Mary Steenburgen) que tienen problemas sexuales, un filósofo racionalista (José Ferrer) y su joven prometida (Mia Farrow) y un médico mujeriego compulsivo (Tony Roberts) y su última conquista (Julie Hagerty). El ambiente natural hace que florezca la confusión de sentimientos entre unos y otros.


El problema es que en esta época Allen pretendía demostrar que era gracioso y erudito. El resultado: una comedia en formato de vodevil algo sonrojante y en ocasiones directamente insufrible. El desenlace, que podría quedar bien sobre el papel, está mal resuelto en su plasmación final. Y la comparación subliminal que realiza entre él mismo y Leonardo DaVinci es francamente indignante se mire como se mire.



BATMAN BEGINS ("Batman Begins", Christopher Nolan, 2005).








Punto de partida de la nueva franquicia del icónico personaje de DC Comics. En ella se nos narra el origen y entrenamiento de Bruce Wayne (Christian Bale), su transformación en Batman, su alianza con James Gordon (Gary Oldman) y sus enfrentamientos con el crimen organizado, el Espantapájaros (Cillyan Murphy) y un líder terrorista (Liam Neeson).


La primera vez que vi esta película en el cine me pareció bastante infumable, pero un nuevo visionado permite ver ciertas virtudes, a pesar de sus fallos, que los tiene. Basándose fundamentalmente en la historia "El hombre que cae" de Dennis O´Neil y Dick Giordano que narraba el origen del Batman moderno, Nolan realiza un borrador que mejorará notablemente en su continuación: "El caballero oscuro" ("The Dark Knight", Christopher Nolan, 2008).





CATWOMAN ("Catwoman", Pitof, 2004).









El auge de las películas de superhéroes animó a DC a realizar una película sobre Catwoman, personaje que en su versión burtoniana alcanzó cierta popularidad encarnada con Michelle Pfeiffer. La elegida para encarnar a esta antiheroína fue Halle Berry, una de las mujeres más sensuales/sexuales del mainstream hollywoodiense. El director fue el francés Pitof, en su salto a la primera fila tras su film imperfecto pero con hallazgos visuales interesantes "Vidocq" (ídem, 2001). El resultado fue desastroso. ¿Explicaciones del fiasco? Quizás la odiosa comparación con el personaje burtoniano enfundado en un ceñido traje de látex. Quizás la elección de una actriz negra para encarnar a un personaje que no lo es (Halle Berry obtuvo un razzie, inmerecido en mi opinión). Quizás la alteración de la historia del personaje (para empezar el cambio de nombre, de Selina Kyle a Patience Phillips). O quizás un traje con toques de buen flow.



Sea como fuere Pitof logra servir una cinta de puro entretenimiento, lúdica y de impecable factura. La teatralidad de escenario y situaciones y los movimientos felinos de la mujer gato son acertados (el personaje se mueve como se debería mover) y alcanza un punto interesante en la secuencia de la ópera. No se trata de una obra maestra (ni falta que hace) si no de un producto de entretenimiento digno servido con una buena factura. Ni Halle Berry se merecía un razzie, ni Pitof malvivir en la televisión.







MILLENIUM 2: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA ("Flickan som lekte med elden", Daniel Alfredson, 2009).




Podeis ver la reseña de la cosa esta en todo su esplendor aquí:


http://edisonscut.blogspot.com/2009/10/la-chica-que-sonaba-con-una-cerilla-y.html







8 CITAS ("8 citas", Peris Romano y Rodrigo Sorogoyen, 2008).






Las relaciones amorosas descritas en una serie de relatos. Puede parecer una película que hable de la esfera íntima de las personas, desde un punto de vista actual. En realidad se trata de una sucesión de historias casposas que rayan en las añejas matrimoniadas. Fui incapaz de seguirla entera e incluso de acabarla, porque cuando la puerilidad llega a cierto nivel se vuelve insoportable. No recomendable ni para vuestro peor enemigo.






Y esto ha sido todo por hoy.

Por cada comentario que no escribas, una fiesta nocturna como ésta se montará en el piso de arriba... y no estarás invitado.

LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA.

Salander 2: El regreso del mimo malvado.

¡Hola, amantes del misterio!

Cuando hablaba de la primera entrega de la trilogía cinematográfica "Millennium" (http://edisonscut.blogspot.com/2009/07/confesiones-prevacacionales.html) que me produjo una impresión positiva, apuntaba como motivos de la misma el peso de los elementos de la investigación, la poda de tramas secundarias (cuando se adapta un libro, sobre todo voluminoso, tienes que podar e incluso crear escenas en función del relato que se desea contar el cual por otra parte no tiene por qué coincidir con la obra original), la convicción y entrega de los actores que dotan de credibilidad y dignidad a los personajes y la curiosa afinidad que se establece con lo que podríamos llamar "atmósfera europea" que respiraba. Al carecer de estos elementos, esta nueva entrega mantiene poco el interés durante su visionado.

LA CRÍTICA.

Lisbeth Salander (Noomi Rapace) regresa a Suecia tras un año sabático de viaje (el punto donde la dejamos en el film precedente, donde se fue a comprar tabaco). Cuando llega, descubre que es buscada por un triple asesinato. El periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist ) cree en su inocencia, e iniciará una investigación que está ligada a una red rusa de trata de blancas en Suecia.

Cuando eres la prota los hombres caen a tus pies.

Cuando el personaje de Hannibal Lecter interpretado por Anthony Hopkins apareció, cosechó un gran éxito. Esto se tradujo en hasta dos apariciones siguientes en la que la cosa no funcionaba bien: el personaje fascinante original se transformaba en un estereotipo de sí mismo, en la idea de devolverle al colectivo (el público) la imagen creada. Así mismo, se escarbó en un torpe intento de darle un (innecesario) origen explicatorio a la criatura. Saco esto a colación porque me temo que algo muy similar ha ocurrido con Lisbeth Salander, personaje que causaba cierta fascinación en la primera y que en ésta sí cae en el espantajo. Increíble resulta también en su papel Michael Nyqvist, reconvertido en detective freelance capaz de dejar en ridículo a la policía, como debe hacer todo buen detective de grandes luces que se precie.

"Es bueno ser periodista, ¡yo lo recomiendo!"

El cambio de director le ha sentado mal a la franquicia (puesto que ya podemos hablar de una de facto). De tal forma que todo da impresión de prefabricado, como si de un producto de espías hollywoodiense se tratase. Una película convencional, que pasa de puntillas por lo escabroso y ofrece unos apuntes de truculencia de diseño (como la resolución en el cobertizo de la casa de Sala). La trama inicial de la trata de blancas es rápidamente abandonada para llegar a dónde interesa: el origen de Lisbeth. De ahí que todos los cabos sueltos e incoherencias no importen demasiado a los responsables de la cinta.

En algún anuncio se hacía referencia a este film como "el doble de violencia, el doble de sexo, una historia de venganza". Sobre la violencia, está todo dicho. Respecto al sexo, tenemos una escena entre Lisbeth y su ¿novia oficial?/amante Mimmi Wu (Yasmine Garbi). No seré yo el que se queje ante la escena de dos mujeres desnudas retozando, pero esta escena es totalmente gratuita. No aporta nada a la trama, y eso es particularmente grave cuando ésta está tan deshilachada que requeriría de un par de escenas que aclararan mejor el conjunto y facilitaran la transición de un eje argumental al otro.

"¿Dónde está la mosca, aquí o aquí?"

Si de bochorno están las escenas de Lisbeth y de ese Blomkvist reconvertido en intento de agente secreto (éxito con mujeres incluido), particularmente patéticos están los villanos de la función, desde Sala (Georgi Staykov) hasta el matón rubio. Veamos un ejemplo. Cuando el malvado matón rubio ha noqueado a Wu (que es una experta en kick-boxing, o eso dicen) y a Paolo Roberto (que intuyo que inicialmente no pretendían que fuera el alivio cómico de la peli, pero lo es... o dejémoslo en "alivio patético y odioso"), decide que, dado que no son útiles, se deshará de ellos. ¿Qué hará? ¿Empleará sus manos para partirles el cuello, como ya se señaló antes que hacía? ¿Usará la motosierra que tenía preparada para hacer confesar a Wu instantes antes de la llegada de Paolo? No, decide salir, atrancar la puerta del cobertizo y prenderle fuego. Así, sin más. Para que mientras él mira como arde el caseto, los otros se escapen por la puerta de atrás. No está mal para un asesino profesional. Una muestra más de lo que esta película nos ofrece.

"¡Jar, jar! Nada poderr sobrrevivirr a eso, salvo que escape por puerrta traserra".

Posiblemente en la tercera parte se retomen tramas y se resuelvan conflictos, pero habida cuenta que el equipo será el mismo en ambas, no debemos esperar ni una gran película ni una simple diversión.

MILLENIUM 2: LA CHICA QUE SOÑABA CON UNA CERILLA Y UN BIDÓN DE GASOLINA

("Flickan som lekte med elden") SUECIA-DINAMARCA, 2009. Director:Daniel Alfredson. Productor: Jenny Gilbertsson. Producción: Nordisk Film, Yellow Bird Films, Sveriges Television (SVG), ZDF Enterprises. Guión: Jonas Frykberg. Fotografía: Peter Mokrosinski. Dirección artística: Jan Olof Âgren, Maria Haard. Montaje: Mattias Morheden. Productor ejecutivo: Lone Korslund, Peter Nadermann. Intérpretes: Noomi Rapace (Lisbeth Salander), Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist), Micke Spreitz (Ronald Niedermann), Yasmine Garbi (Miriam Wu), Georgi Staykov (Sala), Peter Andersson (Bjurman), Lena Endre (Erika Berger), Sofia Ledarp (Malin Erikson), Paolo Roberto (Paolo Roberto).

"Hum... No termino de verlo claro".

HISTORIA DE PIXAR EN CORTOS (PARTE I).

¡Hola, holita!

Para hacer más llevadero el dolor de garganta a Bárbara atenderé una vieja petición suya: hablar de Pixar. Como ya hice un resumen totalmente subjetivo y concentrado al hablar sobre el film "Up" (http://edisonscut.blogspot.com/2009/08/confesiones-postvacacionales.html), aprovecharé para tocar un tema más en segundo plano en el imaginario colectivo y más accesible gracias a las nuevas tecnologías: los cortometrajes.

PIXAR: EL ORIGEN.

Un dato que no todo el mundo conoce es que Pixar no es tan moderna como se cree, ni tampoco estuvo siempre vinculada a Disney. Pixar nació en 1979 y formaba parte de Lucasfilm. Su cometido principal era realizar efectos especiales para los films de Lucas, bien en solitario, bien en conjunto con el resto de Industrial Light and Magic. Es de esta época que data su primer corto: "Las aventuras de André y Wally B." ("The Adventures of André and Wally B."). Animación realizada por John Lasseter (bajo la dirección y sobre un concepto de Alvy Ray Smith) en 1984 para su hijo, narra las desventuras del joven André en el campo, donde encontrará un inesperado amigo. A ojos de hoy una pieza poco más que prehistórica , el hijo de Lasseter se aterrorizó con el resultado, pero para su época fue todo un avance. Podeis verlo aquí:

http://www.youtube.com/watch?v=Z-JpRKG1dFA&feature=related

PIXAR: EL INICIO.

Con el tiempo la compañía se desligó de Lucasarts (Lucas precisaba líquido para hacer frente a su divorcio) y, una vez establecida como compañía independiente, produjo su primer film. Éste es ni más ni menos que el cortometraje "Luxo Jr." (ídem, John Lasseter, 1986), famoso por presentar al que se convertiría en mascota de la compañía y parte del logo. El corto presenta el juego entre un padre y un hijo normales, con la particularidad de que son flexos. Podeis verlo aquí:

http://www.youtube.com/watch?v=-mp7eSx2O0A&feature=related

Este corto fue incluido como aperitivo para la película "Toy Story 2" (ídem, John Lasseter con Ash Brannon y Lee Unkrich, 1999) en cines.

PRIMEROS PASOS.

El siguiente paso sería "Red´s Dream" (ídem, John Lasseter, 1987). El personaje de Red incorpora unas mejoras al tema incorporado por Luxo. Tiene el hito de ser la primera vez que aparece un personaje humano, el payaso Lumpy; y además es el único corto de Pixar que nunca ha sido exibido junto con un largometraje. Su trasfondo amargo posiblemente tenga algo que ver en el asunto. Podeis verlo aquí:

http://www.youtube.com/watch?v=XXJv8ASfLMI&NR=1

Y para finalizar por hoy, "Tin Toy" (ídem, John Lasseter, 1988), un corto con todo el regusto y señas de identidad propias de Pixar. La historia de un juguete de hojalata y sus vivencias con su dueño. Aquí lo teneis:

http://www.youtube.com/watch?v=vD2hu56MUNM&feature=related

Por temática, fue era elección adecuada como corto previo a "Toy Story" (John Lasseter con William Reeves, 1995), y así se hizo en la edición en DVD. Este corto ganó el Oscar al mejor corto animado. Pixar iniciaba su reconocimiento.

CONTINUARÁ.

LA NUEVA CHICA PLAYBOY.

En el último número de Playboy aparece la última conejita... Nada más y nada menos que Marge Simpson.

Además de la portada, ya han sido difundidas algunas fotos por Internet. Parece ser que la cosa fue idea de Hugh Hefner, y fue dibujada por el mismo Groening. En su interior además de los dibujos de rigor tenemos una entrevista en la que Marge también desnuda su alma, dejando frases como: "de joven no tenía la sabiduría y el equilibrio necesario para ser fotografiada en ropa interior".

No es la primera vez que un dibujo aparece en la revista. Jessica Rabit fue su predecesora. Demasiado bizarro. Incluso para Hefner.